RED - Aposentados e Perigosos

A época propícia para levar adaptações de quadrinhos às telonas já dura alguns anos, e RED - Aposentados e Perigosos nada mais é do que a DC fazendo proveito disso mais uma vez. Contando com um elenco recheado de estrelas acima dos 50 anos, o filme dirigido por Robert Schwentke é divertido e oferece algumas ótimas cenas de ação e performances bastante satisfatórias, mas conta com um roteiro tão preguiçoso e mal acabado - escrito por Jon e Erich Hoeber com base na HQ de Warren Ellis e Cully Hamner - que quase põe tudo a perder.

Em RED, os aposentados do título, liderados por Frank Moses (Bruce Willis), passam a ser perseguidos por um agente da CIA que, cumprindo ordens de uma pessoa cuja identidade desconhece, deve matá-los de qualquer maneira. Ao longo do filme, descobrimos que as motivações envolvem acontecimentos ocorridos em uma missão na Guatemala em 1981 - e não muito mais que isso, já que certamente daria trabalho demais inventar uma história minimamente bem elaborada. Soma-se a essas questões o “romance” de Moses com Sarah Ross (Mary-Louise Parker), que, também caçada, acompanha o grupo na fuga.

As situações absurdas que, como era de se esperar, permeiam o longa são quase sempre deliciosamente engraçadas: o duelo de granadas, Bruce Willis descendo tranquilamente do carro enquanto ele roda na pista e pessoas explodindo. Mas há também os momentos que, de tão exagerados, quebram até mesmo a lógica absurda do filme, como a solução ridiculamente preguiçosa encontrada pelos roteiristas para que Moses entrasse na sala de arquivos da CIA. Se a intenção da cena é arrancar risadas – e, de fato, é –, ela falha miseravelmente em seu objetivo.

Mas o grande trunfo de RED é o seu elenco, com destaque para John Malkovich na pele do paranóico Marvin Boggs e Helen Mirren, que interpreta a ex-agente Victoria. Marvin é louco na medida certa, e Malkovich sabe transmitir isso até nos momentos mais comedidos, como quando observa o beijo de um casal ou, após matar uma pessoa, displicentemente chama os companheiros para comer panquecas. Mirren, por sua vez, empresta elegância à personagem, empunhando armas com personalidade mas sem jamais perder a postura. O visual de Victoria, a propósito, contrapõe com perfeição seus atos e palavras, o que a torna ainda mais interessante. Já Bruce Willis atua mais como o elo do filme, e Morgan Freeman faz uma participação discreta, assim como Brian Cox e seu caricato russo – tinha que ter um russo! – Ivan Simanov. Enquanto isso, Mary-Louise Parker tenta dar alguma vida a uma personagem vazia. Engraçada no começo, mais tarde Sarah passa a desempenhar apenas a função para a qual foi criada: isca. Ela não é usada nem como barata tonta perdida no meio do tiroteio.

O roteiro, de tão pobre, mal oferece elementos a serem explorados, representando apenas uma muleta meio quebrada para que o filme se arraste por longos 111 minutos – não custava nada ser um pouco mais enxuto – abusando dos poucos pontos positivos citados anteriormente, e as surpresas guardadas para o fim são tão óbvias que, pensando bem, começo a acreditar que jamais foram arquitetadas para surpreender de fato. Além disso, o romance entre Frank e Sarah funciona tão bem quanto um relógio sem pilha. E, como se tudo isso não bastasse, RED ainda comete descuidos visuais. Ao utilizar cartões postais para fazer a transição entre algumas cenas e situar geograficamente o espectador, a montagem insere elementos que sempre parecem esteticamente deslocados dentro do longa.

No entanto, não se pode exigir de RED algo que ele nunca se propôs a fazer; assim, como a diversão prometida, até que o filme é eficiente. Mas, convenhamos, um pouco mais de esforço criativo teria sido muito bem-vindo.

RED - Aposentados e Perigosos
RED, Robert Schwentke, 2010.

[REC] 2

Contém spoilers

[REC], o primeiro filme do que provavelmente se tornará uma série, foi uma bela surpresa. Eu não tinha qualquer expectativa e acabei me deparando com um mockumentary tenso que, sem explicar muita coisa, colocava o espectador diante de situações de violência assustadoramente cruas. Com o sucesso, era de se esperar que o – excelente – final em aberto fosse aproveitado para dar continuidade à história. Uma pena, porque [REC] 2, tentando esclarecer tudo o que se passara em seu antecessor, quase arruína tudo.

O maior erro foi dar contornos verdadeiramente religiosos à trama. Apesar de levantar a questão em seu término, [REC] ainda deixava dúvidas quanto a isso, mas este segundo, além de confirmar as informações encontradas na cobertura do prédio, ainda traz cenas de exorcismo, sangue “contaminado com o demônio” queimando em função do contato com a cruz e conversas com o próprio capeta, o que provoca reações que beiram o constrangimento.

Há ainda outro fenômeno misterioso: usando a desculpa de que a garota possuída que deu início a tudo só aparece no escuro, os personagens resolvem utilizar a visão noturna da câmera. O grande problema é que isso não explica o fato de portas, passagens e até tanques de água aparecerem somente nessa condição. Para um filme que tinha como um de seus grandes méritos a proeza de conferir verdade a uma história de zumbis – é o que eles são, afinal de contas –, o que aterroriza justamente porque o espectador, de alguma forma, considera aquilo transferível à sua própria realidade, isso é inaceitável.

O ritmo também é prejudicado por falhas do roteiro. Frenético no começo e decepcionando apenas pelo conteúdo das explicações, o filme dá uma pausa absurda em sua inquietude para introduzir novos personagens – chatos e burros – cuja função (que, na verdade, é apenas de um deles) poderia ter sido realizada por pessoas que já estivessem dentro do prédio e com as quais o público já fosse pelo menos familiarizado. Como o longa tem uma duração bem reduzida (apenas 85 minutos), só posso concluir que tudo isso não passou de uma terrível manobra para dilatar o tempo de projeção.

De qualquer maneira, mantendo o estilo cru do primeiro, [REC] 2 ainda tem momentos assustadores, mas, mesmo assim, é decepcionante constatar que toda a trama foi resumida a um demônio lagartão.

[REC] 2
[REC] 2, Jaume Balagueró, Paco Plaza, 2009.

Pequenos comentários #3 - Oscar

No post abaixo, eu disse que faria comentários sobre Guerra ao Terror, Um Olhar do Paraíso e O Segredo dos Seus Olhos, mas troquei este último (que, a propósito, achei maravilhoso) por Invictus. Confira:

GUERRA AO TERROR

Em Guerra ao Terror, Jeremy Renner interpreta William James, um soldado americano especializado no desarmamento de bombas. Nós acompanhamos o seu trabalho e o de seus companheiros no Iraque em várias sequências de pura tensão - construídas sem trilha estridente nem cortes rápidos, soando sempre com uma verossimilhança admirável – pontuadas por outras que expõem o impacto emocional que esse trabalho e tudo que o envolve têm sobre eles – o exemplo perfeito disso é a passagem em que James tira a máscara de homem inabalável e chora no banheiro. Não gostei apenas do envolvimento exagerado que ele estabelece com o garoto. Embora fique claro que o desejo por riscos faz parte de sua natureza, a atitude tomada jamais parece verdadeira, sobretudo porque foi planejada, e não circunstancial, como acontece posteriormente. De qualquer forma, isso é incapaz de ofuscar as qualidades do longa, que, em vez de hastear a bandeira estadunidense ou fazer qualquer tipo de campanha pró ou anti-guerra , concentra-se apenas nas pessoas que fazem parte dela.

Guerra ao Terror

The Hurt Locker, Kathryn Bigelow, 2008.

UM OLHAR DO PARAÍSO

Uma garota é assassinada e passa a observar sua família e o responsável por sua morte antes de fazer a passagem para o paraíso. Uma premissa interessante, mas muito mal aproveitada, e eu precisaria escrever um texto enorme para conseguir falar sobre tudo o que não gostei em Um Olhar do Paraíso: a estrutura desorganizada, o roteiro inconsistente, as cenas que flutuam na narrativa sem qualquer encaixe na história (às vezes, elas até parecem pertencer a outro longa), os personagens mal aproveitados e, claro, as passagens loucas e muitas vezes infundadas no in-between. Quase nada funciona. E digo “quase” somente em virtude de uma cena de tensão, que é bem conduzida - embora termine de forma ridícula e seja baseada na decisão tola que um personagem toma de permanecer em determinado local -, e de Mark Wahlberg, que oferece um pouco de carisma; porque nem Stanley Tucci, que recebeu uma indicação ao Oscar de Ator Coadjuvante, entrega uma interpretação além do normal. E o desfecho, coerente com tudo o que fora apresentado até então, apenas confirma o que se acentua à medida em que a projeção avança: que filme patético.

Um Olhar do Paraíso

The Lovely Bones, Peter Jackson, 2009.

INVICTUS

Invictus traz todos os elementos de um filme de esporte: lições sobre os limites, o preconceito, a competição, a união... A diferença aqui é que o personagem principal é Nelson Mandela (Morgan Freeman), uma grande e importantíssima figura da história mundial, e conta a luta real desse homem, que, depois de passar 27 anos preso e se eleger presidente logo após a sua libertação, conseguiu, por meio do rúgbi, unir uma nação que vinha de décadas de sofrimento em função do apartheid. Tirando algumas cenas extremamente piegas e desnecessárias – empregada ganhando ingresso e policial comemorando e levantando um menino negro na rua –, Invictus é um filme bom e, se você se deixar envolver, até emocionante.

Invictus

Invictus, Clint Eastwood, 2009.

Pequenos comentários #2 - Oscar

Resolvi fazer pequenos textos sobre os filmes envolvidos de alguma forma no Oscar. Neste post, colocarei três dos dez indicados a Melhor Filme, e nos próximos dias, possivelmente, farei mais uma postagem com comentários sobre O Segredo dos Seus Olhos, Um Olhar do Paraíso e Guerra ao Terror.

DISTRITO 9

Uma ficção científica com apelo social. Assim é Distrito 9. Utilizando um orçamento até modesto para os dias de hoje, sobretudo porque, como já disse, trata-se de uma ficção científica – e mesmo assim a obra oferece ótimos efeitos especiais –, o filme faz uso do formato mockumentary para mostrar a relação de segregação que os seres humanos estabeleceram com os alienígenas que estacionaram sua nave sobre a cidade de Johanesburgo, numa metáfora para o apartheid ou até mesmo para o comportamento costumeiro dos seres humanos para com grupos que, por algum motivo, são considerados inferiores. O próprio estilo do longa, auxiliado pela fotografia clara e amarelada, causa desconforto no espectador, que testemunha toda a pobreza e a miséria nas quais vivem aqueles seres enquanto acompanha a ação de despejo comandada pelo protagonista do filme, que posteriormente enriquece a trama com uma metamorfose física e psicologicamente perturbadora, sentindo – e transmitindo ao espectador com uma ótima atuação – na pele o preconceito sofrido por aqueles que ele antes maltratava. Assim, Distrito 9 torna-se não só um exercício de lazer, mas também de reflexão.

Distrito 9
District 9, Neill Blomkamp, 2009.

UM SONHO POSSÍVEL

Um Sonho Possível é conduzido respeitando o fato de contar uma história naturalmente tocante. Assim, o filme jamais faz uso de recursos que poderiam torná-lo apelativo e, consequentemente, falso. A atuação de Sandra Bullock é contida e, lutando contra a própria aparência, ela desconstrói a imagem de arrogante que o espectador forma à primeira vista para, posteriormente, conquistá-lo, mostrando que por trás da maquiagem, do penteado, do carrão e da mansão há uma mulher simples e profundamente bondosa, e é necessário salientar que essa impressão jamais parece forçada (Sandra Bullock muitas vezes deixa transparecer seus trejeitos de atriz cômica). Quinton Aaron também faz do seu Michael Oher um sujeito adorável. Com o semblante sempre triste, ele consegue transformar uma pessoa enorme e extremamente forte em alguém aparentemente indefeso e incapaz de machucar os outros, a não ser em situações bem específicas. É a dinâmica entre os dois que move Um Sonho Possível, um filme simples e bonito, até bobo, que ganha impacto por contar uma história real.

Um Sonho Possível
The Blind Side, John Lee Hancock, 2009.

PRECIOSA - UMA HISTÓRIA DE ESPERANÇA

Precious é gorda, negra, pobre, sofre abusos sexuais em casa, tem um filho portador de Síndrome de Down, não consegue aprender coisa alguma na escola, é seguidamente humilhada e espancada pela própria mãe, não tem amigos e está grávida pela segunda vez. Em suma: é a tragédia em pessoa, o tipo de protagonista que dá a um filme todos os recursos para que ele seja concebido como um dramalhão choroso e pouco verossímil. Mas não é isso o que acontece aqui. As ótimas atuações dão a exata sensação de como é insuportável levar aquela vida miserável – tanto que, para conseguir lidar com sua própria realidade, Precious imagina intensamente algumas situações de glória –, mas, com apenas duas exceções perfeitamente compreensíveis depois de tanto sofrimento, e encaixadas organicamente no filme, jamais somos obrigados a testemunhar discursos de lamentação. O único problema é que, na ânsia por ser diferente, e não apenas mais um filme sobre preconceito e dificuldades da vida de uma pessoa gorda, negra e pobre, Preciosa às vezes exagera em seus devaneios. Isso, no entanto, não tira seus outros méritos. Bom filme.

Preciosa - Uma História de Esperança
Precious, Lee Daniels, 2009.

Idas e Vindas do Amor

Falta de foco é um problema que pode arruinar um filme, e excesso de personagens certamente é a causa mais freqüente disso. Não é preciso ir longe para buscar exemplos: Homem-Aranha 3, um tipo de filme completamente diferente do tratado neste texto, mas que se encaixa com perfeição no que quero dizer, dividiu a atenção entre três vilões e um herói com dupla personalidade, resultando em um completo desastre simplesmente porque não deu a devida atenção a nenhum deles. Claro que há exceções. O excelente Simplesmente Amor está aí para provar isso, mas Richard Curtis sem dúvida é um roteirista muito mais talentoso do que Katherine Fugate, cujo trabalho conheci apenas neste péssimo Idas e Vindas do Amor, um filme que sofre exatamente com o problema que expus no início do parágrafo.

Uma série de personagens, interpretados por estrelas de Hollywood como Ashton Kutcher, Julia Roberts, Jessica Alba, Anne Hathaway Jennifer Garner, Jessica Biel, Jamie Foxx, entre outros, e alguns astros da TV, como Patrick Dempsey e Eric Dane (ambos de Grey’s Anatomy), que estão de alguma forma relacionados, precisam superar alguns problemas que aparecem no Dia dos Namorados. Uma faz de tudo para esconder do parceiro que é atendente de tele-sexo, outro precisa se dividir entre a amante e a esposa, um casal que acabou de se conhecer interage durante uma viagem de avião (uma das partes mais simpáticas, mas pouquíssimo aproveitada), um garotinho apaixonado quer se declarar à amada, dois casais de adolescentes... completamente irrelevantes... A população do filme é tão grande que às vezes nos esquecemos da existência de certos personagens, tamanho é o tempo levado para que eles apareçam novamente na tela.

Naturalmente, as histórias dessas pessoas jamais chegam a envolver o espectador, e a falta de carisma dos atores e o humor pobre, bobo e sem graça apenas contribuem para o resultado final do filme ser trágico, no pior sentido da palavra. A única cena que consegue arrancar gargalhadas envolve Queen Latifah (que, sim, também faz parte do elenco) e dura no máximo dez segundos. Portanto, Idas e Vindas do Amor é apenas mais uma prova de que, definitivamente, não é um punhado de estrelas que faz um bom filme, nem quando ele tem a pretensão de ser apenas bonitinho e engraçadinho.

Idas e Vindas do Amor
Valentine's Day, Garry Marshall, 2010.

Avatar

Criar expectativas para um filme é algo perigoso, já que dificilmente elas são atendidas e, mesmo que o longa seja bom, fica um sentimento de frustração em função da espera por uma coisa ainda melhor; por isso, sempre procuro manter os pés no chão. Com relação a Avatar e todo o marketing que o envolveu a respeito de seus aspectos supostamente revolucionários, no entanto, foi impossível não elevar o nível de expectativas ao patamar mais alto e perigoso. Pois, para a minha surpresa, Avatar prometeu e cumpriu, e, como se não bastasse, ainda foi muito além do que eu esperava.

Comandados pelo ambicioso Selfridge (interpretado com excentricidade por Giovanni Ribisi), cientistas e homens do exército trabalham agregados, embora não harmoniosamente, para estudar e entender o planeta Pandora a fim de descobrir uma forma de se integrar aos habitantes locais, os Na’vi, para conseguir, de forma pacífica, extrair de seu subsolo o Unobtanium, uma pedra valiosíssima. Como o ar do planeta é venenoso aos seres humanos, eles criam, em laboratório, os avatares, que conjugam o DNA dos Na’vi e de pessoas pré-selecionadas. Por meio de uma tecnologia existente em 2154, ano em que o filme se passa, é possível implantar nesses seres a consciência de seus pares, que os controlam enquanto entram em uma espécie de transe dentro de uma máquina. Jake Sully (o simpático Sam Worthington), paraplégico que integrou o programa para substituir o irmão gêmeo morto, perde-se em sua primeira expedição pela floresta após ser atacado por um animal e acaba encontrando Neytiri (Zöe Saldana, numa interpretação tocante), que o leva para o seu povo e começa a ensiná-lo seus costumes, tradições e rituais – e é assim que Jake passa a recolher e repassar o máximo de informações aos seus superiores.

Os detalhes de Pandora são impressionantes. Embora criadas em computador, é possível jurar que todas aquelas plantas e criaturas existem de fato. A vegetação não aparece na tela simplesmente, ela reage a tudo ao seu redor; e a técnica de performance capture, que prometeu e trouxe avanços muito significativos, é realmente de uma minúcia fascinante, basta reparar na fluidez dos movimentos e nas expressões dos Na’vi. É preciso destacar também o cuidado com a textura da pele, que só se difere da dos seres humanos na cor e é incrivelmente real – para não dizer perfeita –, e outros pequenos detalhes, como as veias proeminentes sob a pele e até mesmo os pequenos vasos de suas orelhas, que, a propósito, lembram as dos felinos não só no formato, mas também no modo como se mexem, reagindo quando os sentidos são aguçados, o que, de uma maneira quase imperceptível, confere ainda mais vida àquelas criaturas.

É interessante notar ainda como os Na’vi e a vegetação convivem de forma harmoniosa, estabelecendo inclusive uma ligação física que integra uns aos outros com uma intensidade quase sensível ao espectador – e isso possibilita que a mensagem ecológica claramente pretendida pelo filme chegue ao público com mais força. Durante mais de uma hora, somos imersos nesse mundo novo, e, depois de ver tanta beleza e passar a conhecer a rica cultura daqueles humanóides, é impossível não mudar para o lado deles, que, diferente dos seres humanos, não precisaram destruir seu habitat para ser felizes. Alguns podem afirmar que essa mudança de lado se deve ao tratamento maniqueísta dado à trama, o que não é uma inverdade, mas, em meio a tantos outros aspectos que superam a excelência, isso se torna apenas um mero e insignificante detalhe.

Ao fim da sessão, ficou apenas a sensação de deslumbramento em virtude da maravilha que eu acabara de testemunhar. Embora acredite que as continuações que o filme provavelmente terá sejam desnecessárias (o que, claro, não se aplica ao lado financeiro da coisa), não consigo conter o desejo de voltar a Pandora. Após quase três horas de projeção, senti que poderia ter permanecido naquele mundo por muito mais tempo, mas, infelizmente, uma hora eu tive que acordar.

Avatar

Avatar, James Cameron, 2009.

A Princesa e o Sapo

Havia algum tempo que a Disney não se aventurava no mundo das animações ao estilo de seus antigos clássicos, como Cinderela e Branca de Neve e os Sete Anões. Este ano, porém, com direção a cargo dos mesmos responsáveis por Aladdin e A Pequena Sereia, o estúdio resolveu produzir A Princesa e o Sapo, um conto de fadas contemporâneo ambientado em Nova Orleans, na época em que o jazz, que dá o tom da ótima trilha sonora da animação, surgiu com força total.

O fato mais alardeado pela produção era a presença da primeira protagonista negra da Disney, mas isso, na verdade, não faz realmente diferença na trama. Tiana é apenas uma moça pobre, sonhadora e trabalhadora que luta incansavelmente, e até obsessivamente, para alcançar seus objetivos, não muito diferente de uma princesa que nós conhecemos. O príncipe, por sua vez, é um pouco atípico: ele teve a mesada cortada pelos pais e agora procura uma moça rica para casar e poder continuar com sua vida de mordomias. A história se inicia quando Naveen, o príncipe, iludido com as promessas de Facilier, o feiticeiro das sombras, é vítima de um vodu e torna-se um sapo. Tentando ajudá-lo a voltar à sua forma humana, Tiana lhe dá um beijo, mas finda, também, transformando-se em uma sapa. Os dois acabam no pântano, onde vão em busca de outra feiticeira que indicará o caminho correto para reverter a maldição.

Os números musicais, além de excelentes como um todo, são visualmente espetaculares, sobretudo os que envolvem Facilier, com efeitos explosivos e sombrios, e o primeiro de Tiana no espaço onde ela pretende construir seu restaurante, que é estilisticamente muito charmoso. Alguns personagens também são ótimos, como Ray, o vaga-lume apaixonado por uma estrela, e Louis, o crocodilo trompetista. Eles ajudam os protagonistas no pântano e representam a parte mais cômica do longa. E a trilha sonora, conforme já mencionei, é um dos pontos altos de A Princesa e o Sapo, e não apenas durante os números. Mas o romance, embora mais desenvolvido do que em longas semelhantes, nos quais há sempre o "amor à primeira vista", não me convenceu, assim como acontece na maioria dos contos de fadas aos quais assisto. Talvez isso se deva a uma particularidade minha, mas, de qualquer forma, se acontece, preciso considerar um defeito. Em meio à graciosidade do filme, no entanto, isso se torna apenas um detalhe.

É bom ver a Disney voltar às origens, fazendo algo que sabe fazer muito bem, e A Princesa e o Sapo é um recomeço bem satisfatório. Que venham mais clássicos.

A Princesa e o Sapo
The Princess and the Frog, Ron Clements e John Musker, 2009.